Para empezar a pintar con acuarela vamos primero a preparar los
materiales básicos necesarios y luego mostraré la técnica de tensado del
papel.
Pinturas
Las acuarelas se fabrican con goma arábiga y pigmento en polvo. Y se utiliza el agua como disolvente.
Hay en pastilla y en tubo, las primeras más económicas.
Las pastillas son ideal para pequeñas mezclas de color y para crear
bocetos, pero tienden a resecarse y se deben guardar cubriéndolas con
una tela húmeda antes de cerrar la caja.
Los tubos son más ricos en color y no deteriora los pinceles como las pastillas, pues no es necesario frotar.
La calidad, de todos modos, dependerá de la calidad de los pigmentos que
se hayan utilizado para formar la pintura, esté en tubo o en pastilla.
Pinceles
Aunque venden muchos del chino muy baratos, los buenos pinceles son
los de pelo de marta roja, marta mezclada, ardilla o buey. Los
sintéticos de Nailon son baratos pero débiles. Y por lo menos hay que
comprobar que el pincel no va soltando pelos que se nos quedarían en el
papel.
Necesitaremos los 4 básicos: uno grande, otro pequeño, uno plano y
otro redondo. O por ejemplo; Pincel redondo de marta nº 6, pincel
redondo de marta nº 3, pincel chino de bambú nº 5, pincel redondo de
marta nº 12, pinceles de marta planos de 6mm y 15 mm.
Paletas para mezclar color
Necesitamos una paleta metálica o plastificada con compartimentos en
forma de pocillos para hacer mezclas individuales. También podemos
utilizar platos donde hacer las mezclas, blancos mejor.
Otros utensilios para trabajar con acuarela
– 2 Recipientes de cristal para el agua, uno para limpiar los
pinceles y el otro para tomar el agua con el que diluir las acuarelas. Y
además cambiaremos el agua a menudo.
– Una esponja vegetal o marina resulta útil para secar el papel o extraer el pigmento si necesitamos corregir la pintura.
– Un paño de algodón para absorber exceso de agua y limpiar los pinceles.
– Los lápices de dibujo deben ser blandos, el 2B. Y una goma blanda moldeable, a la que podemos dar forma.
– Líquido enmascarador para crear reservas de blanco y bordes perfilados. Entrada relacionada: Líquido enmascarador para pintar con acuarela.
Papel
Características de los papeles:
– Gramaje o peso de hoja
– Superficie, fina o porosa. Hay 3 tipos; Rugoso, no prensado (de grano
medio) y prensado en caliente (muy liso). El más utilizado es el no
prensado.
– Dimensiones
Debe tener capacidad para absorber agua, no demasiado fino, por lo tanto, ni con brillo. TENSADO DEL PAPEL
Los papeles de acuarela inferiores a 300g de gramaje, deben tensarse previamente para que no se deformen con el agua al pintar.
Prepara la hoja de papel, un rollo de cinta adhesiva de unos 5 cm de
ancho, tijeras, una tabla de dibujo y dos paños gruesos y limpios de
algodón.
Cortamos la cinta adhesiva con las medidas del papel más cinco cm de exceso, para que rodear después todo el papel.
Metemos el papel en el agua, en bañera, bote o con el grifo
suavemente, pero siempre sin doblarlo ni arrugarlo. De modo que el papel
queda mojado totalmente.
Retiramos el papel del agua y sacudimos o sujetamos para que escurra
agua. Se coloca el papel entre los dos paños, extendidos y planos, y se
alisa con la mano para quitarle humedad.
Se sitúa la hoja sobre la tabla de dibujo comprobando que quede
totalmente lisa. Se ajusta a la tabla y se pega con las cintas adhesivas
preparadas antes, de modo que sujeta los bordes del papel y lo fuerza a
seguir extendido. Así se mantendrá fijo mientras se seca a aire
naturalmente.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606-1669.
Nació
en Leiden, Holanda. Pintor barroco de retratos y dibujante superdotado.
En un principio siguió a el Caravaggio que era gran maestro de la
técnica del claroscuro, a Rubens por su brillosidad y colorido vigoroso y
a Tiziano por la forma libre de utilizar el pincel.
Picasso, (Pablo Ruiz Picasso) 1881-1973.
Nació
en Málaga, España. Pintor y escultor cubista que revolucionó el arte
durante la primera mitad del siglo XX. Sus primeros pasos en la
adquisición de identidad pictórica los realiza observando las obras de
impresionistas franceses como Manet, Courbet, Toulousse-Lautrec, más
adelante el fauvinismo, (fauvismo) de Henri Matisse y la pintura plana
de Henri Rousseau.
Vincent van Gogh (1853-1890)
Nació
en Groot-Zundert, Holanda. Pintor de estilo postimpresionista de
cuadros al óleo, dedicado a este arte los 10 últimos años de su vida.
Trabajando en Bélgica como pastor evangelista decidió iniciar su
carrera. Allí conoció las obras de Daumier y Millet, donde asistió a una
academia de arte en Antwerp, cerca de Bruselas.
Sandro Botticelli (1445-1510)Nació
en Florencia, Italia. Pintor líder del renacimiento florentino que
desarrolló un estilo personal caracterizado por línea marcada y
elegante.
Miguel Angel, (Michelangelo Buonarroti) 1475-1564.
Nació
en Caprese, Florencia, Italia. Insigne pintor, escultor, arquitecto y
poeta del ranacimiento italiano. Maestro destacado por su colaboración
en el desarrollo del arte occidental. Sin duda es este el artista al
cual todos sus contemporáneos y siguientes quieren emular.
"El arte, como palabra y como ritmo indica la proximidad amenazante de una fuerza vago y vació, existencia neutra, nula, sin limite, sórdida ausencia asfixiante condensación donde, sin cesar, el ser se perpetua, en forma de nada" MAURICE BLANCHHOT En
el campo de la pintura, debemos manifestar que fue el arte más
difundido de la Colonia, todas las obras pictóricas tienen temas
netamente religiosos y están dotados de una hermosa policromía y de
profundos conocimientos anatómicos. Entre los pintores más destacados,
anotaremos al genial Miguel de Santiago, que vivió en Quito en el siglo
XVII, su obra cumbre lo representa “El Cristo de la Agonía”, en la que,
según la tradición, Santiago tuvo que asesinar a su modelo en la cruz
para conseguir un acabado perfecto. Perseguido, se refugió en el
convento de los Agustinos, donde pintó la serie de la vida de San
Agustín.
Otro
pintor destacado fue Nicolás de Gorívar, yerno de Miguel de Santiago,
todas sus obras descansan en las naves laterales de la Iglesia de la
Compañía y se titulan “Los Profetas”. En el siglo XVI, sobresalieron
otros pintores quiteños, generalmente indios y mestizos: Adrián Sánchez,
Francisco Quishpe, Antonio Salas, Samaniego, la miniaturista riobambeña
Magdalena Dávalos. Otro pintor extraordinario fue el religioso Padre
Pedro Bedón, domínico que pintó “La Virgen de la Escalera”.
El Oro
“Arte Sin Barrotes” es un proyecto que involucra a personas privadas de
libertad en talleres de artes. Las capacitaciones se realizan en los
Centros de Rehabilitación de provincia de El Oro, pionera en ejecutar
actividades culturales de esta magnitud en el país.
La Dirección de El Oro del Ministerio de Cultura y Patrimonio estructuró
en un trabajo mancomunado con la Defensoría Pública de la provincia,
bajo el proyecto “Sumak Kawsay”, cuya misión consiste en estructurar su
trabajo con las demás carteras de Estado, logrando así hacer posible
proyectos culturales incluyentes.
Para la ejecución del proyecto “Arte sin Barrotes”, Marisol Bowen,
directora Provincial de El Oro, visitó las instalaciones del centro de
rehabilitación de varones de la ciudad de Machala, compartió con los
internos de este centro penitenciario, y conoció de cerca el diario
vivir de los privados de libertad, donde también se reunió con Pablo
Cobos, director del Centro de Rehabilitación, para ultimar detalles del
proyecto, quien dispuso un área en este centro, para llevar a cabo
actividades culturales que darán inicio en los próximos días.
Inicialmente en el Centro de Rehabilitación de varones de la ciudad de
Machala, se ejecutará un taller de teatro, con tres meses de duración,
cuyo capacitador es el reconocido actor de teatro Ángel Vélez, quien con
su brillante trayectoria y profesionalismo tendrá en sus manos esta
extraordinaria labor, de la misma manera se llevará este proyecto a los
demás Centros con talleres en diferentes ramas del arte.
“La misión del proyecto es demostrar que a través del arte hay mil
formas de encontrar la libertad, y sembrar la semilla del arte en el
espíritu de cada recluso” menciona Bowen, quien a su vez señala que no
podemos cegarnos ante un derecho, “que los barrotes no impidan, el
derecho al arte” afirmó la Funci onaria.
LOS RIOS
Ronnie Arteaga, alumno del colegio República del
Ecuador, posó en primer plano a lado su obra de arte.
Babahoyo.
Una tibia mañana al pie del majestuoso río Babahoyo fue el escenario para que
20 alumnos de distintos colegios de la provincia se inspiren y pinten su mejor
obra.
Pinceles, acuarelas, lápices de colores, óleo, lienzo, cartulina fueron los
instrumentos para que su creatividad se conjugue entre la realidad y la
fantasía.
Ronnie Arteaga del Colegio República del Ecuador de Quevedo, quien el lunes ya
había participado en oratoria llegó ayer con el afán de pintar el mejor cuadro.
Tras tres horas, el joven quevedeño empezó a darle forma a su obra de arte que
representaba a la cultura montubia.
Una pareja campesina danzando sobre un sombrero gigante simbolizaban la
tradición fluminense. La suave brisa del río Babahoyo y el resplandor de una
mañana tibia le permitieron a Ronnie que su trabajo sea el mejor.
El jurado calificador observó su originalidad y la creatividad de la obra que
mereció ser la ganadora.
No hay imposible
Jorge Suárez, alumno del colegio de Bellas Artes, ocupó el segundo lugar. Lo
que pocos conocían es que Jorge era un joven especial, no habla ni oye, en su
silencio pintó una hermosa obra de arte. Un río, dos canoas y un pescador. La
combinación de colores, la imagen proyectada daba una impresión entre lo real y
la imaginación.
También Claudia Chichan, del Instituto Eugenio Espejo, pintó un hermoso
paisaje. Su originalidad en utilizar lápices de colores, cartulina dieron forma
a un hermoso cuadro de arte.
En su interior había un campesino, río, árboles, viviendas y el cerro Cacharí
de Babahoyo. Su inspiración la hizo acreedora al tercer lugar.
Aunque no se ubicó entre los tres mejores, Inderlyn Suárez del Instituto
Tecnológico Babahoyo, pintó una mirada desde el puente peatonal El Salto.
Artistas
plásticos exponen sus trabajos en Museo de Manta
278 Obras de 15 pintores de
Manta y Manabí se exponen en el Museo Municipal Etnográfico Cancebí. Foto:
Patricio Ramos/ EL COMERCIO COMPARTIR 5 VALORAR ARTICULO Indignado 0 Triste 0
Indiferente 0 Sorprendido 1 Contento 1 Redacción Manta 4 de octubre de 2014
13:25 En la planta baja del Museo Municipal Etnográfico Cancebí, de Manta, se
desarrolla la exposición de artes visuales. Desde este sábado 4 de octubre
hasta el 7 de octubre del 2014 permanecerá la exposición que empieza desde las
09:00 hasta las 16:00. 15 pintores de Manta y Manabí llegaron con 72 obras para
exhibirlas ante el público del puerto manabita. La exposición forma parte del
programa octubre mes del arte y la cultura que se desarrolla a 50 metros del
malecón de Manta, en la provincia de Manabí, en la Costa de Ecuador. Trabajos en
óleo de Klever Tello, Rómulo Santa Ana, entre otros, forman parte de la
exhibición. Thalía Giler, directora de Cancebí, asegura que los cuadros son muy
originales, hay un sentido modernista en las obras, otros prefieren el
paisajismo y el cubismo nos sorprende la capacidad de creatividad. Entre los
expositores están los primos Renato y Miguel Tayo, de 5 y 7 años. Ambos fueron
considerados por su trabajo de alta calidad, refirió Giler. Los niños pintan
abstracto, lo hacen bien esta es su primera puesta en escena ante el público.
Entre los asistentes al museo estuvo la estudiante universitaria Érica Morán.
“Me gusta la volumetría de las obras, es interesante como juegan con los
colores vivos, son tonalidades del modernismo, aquí hay mucho que ver”, comentó
la joven
La Prefectura del Guayas realizó una
exposición de de obras de artistas de la provincia que visitó los cantones
Santa Lucía, Daule, Playas y Durán.
Cuadros de los pintores de la
provincia fueron expuestos en sitios públicos de cuatro cantones, en una
exhibición que movilizó la Prefectura del Guayas a través de su Dirección de
Cultura.
Cientos de habitantes de los
cantones Santa Lucía, Daule, Playas y Durán, pudieron acceder gratuitamente y
disfrutar del arte pictórico de varios autores, durante su visita a la
exposición itinerante de cuadros que realizó en las mencionadas localidades la
Prefectura del Guayas, a través de su Dirección de Cultura.
Pedro Gambarroti, jefe de
Patrimonio, historia e interculturalidad de la institución provincial, explicó
que la iniciativa busca difundir el arte y la cultura de la provincia en la
población. "Por este motivo, lo hemos realizado en los parques y centros
comerciales donde la afluencia de público es mayor", indicó.
Se trata de cuadros de los artistas
César Guale, Christian Pazmiño, Rolando Rizzo, Anzubino Macías y Elsa Díaz;
todos ellos guayasenses que pertenecen a la Casa del Artista Plástico de Las
Peñas, quienes accedieron a que sus cuadros fueran expuestos para que la
comunidad conozca sus obras. Los cuadros fueron expuestos desde el 13 de agosto
y culminó el sábado 16.
Lilia Pesantes, quien visitó la
exposición en Playas, junto a su esposo, opinó que "hay cuadros que me
gustan y parece admirable la gran capacidad que muestran sus autores. Para mí
es muy bueno y un gran incentivo para todos que exhiban estos cuadros en sitios
públicos", dijo la mujer.
Reflexiones y costumbres costeñas de Patricio Viteri se
muestran en Santa Elena PRISCILA DEL PEZO
Montañita
Dejó momentáneamente su natal provincia de Cotopaxi, en la
Sierra, para radicarse por tres meses en Montañita, comuna de Santa Elena, en
la Costa.
Se trata de Patricio Viteri Andino, de 39 años, un
pintor oriundo del cantón Sigchos (Cotopaxi), que inauguró hace 11 días su
muestra pictórica, en la que destaca parte de las costumbres costeñas, que
caracterizan a esta región.
Esta identidad, reflejada en sus creaciones, podrá ser
apreciada por los turistas que lleguen a Montañita. La exposición está abierta
de 08:00 a 22:00 en la galería del hotel Hurvinek.
Son nueve réplicas y diez creaciones de Viteri Andino, entre
abstractas, surrealistas y de naturaleza muerta.
Además de plasmar en el lienzo las costumbres costeñas, dice
que expresa como valor agregado sus pensamientos sobre temas de contaminación
ambiental y maltrato animal. De esta última tiene una marcada tendencia en contra
de la muerte de toros.
Su taller fue una de las habitaciones de Hurvinek. Allí,
pinturas acrílicas, óleo y acuarelas se convirtieron en sus compañeras de
inspiración, en el tiempo que preparó su muestra.
Entre las obras que destaca están: ‘Montañita’,
‘Inspiración’, ‘Furia’, ‘Protección’, ‘Destrucción’ y ‘Punto de vista’.
En su obra ‘Montañita’ está también como elemento principal
Bob Marley, personaje considerado un ícono por extranjeros en el poblado, en el
que pasean las rastas. El surf, la fiesta, la música y una hoja de marihuana
están también en el cuadro que recibe a los visitantes en esta galería.
Las obras por estos días captan la atención de los
asistentes y turistas, cuya presencia aumenta por Año Nuevo.
El artista confiesa que de esta muestra sus creaciones
predilectas son ‘Furia’ y ‘Destrucción’. La primera, la plasmó luego de
escuchar la inconformidad de un pescador al señalar que solo había basura en el
mar.
Y ‘Destrucción’ se basa en su percepción en torno a la falta
de concienciación por cuidar el ambiente y evitar la deforestación. (F)
Azuay es la
provincia ecuatoriana con más desarrollo cultural a escala nacional
Exhibiciones semanales de arte en Azuay son una muestra de
su desarrollo cultural. Foto: Ministerio de Cultura
Loja, 09 ago (Andes).- El desarrollo cultural de los
habitantes del Azuay (sur andino) destaca en las cifras que el Instituto
Nacional de Estadísticas y Censos (INEC) reveló este jueves como homenaje al
Día Nacional de la Cultura a celebrarse este 9 de agosto en Ecuador.
El censo de población y vivienda de 2010, desarrollado a
escala nacional, destaca que existen 1.485 artistas plásticos. En esas cifras
el INEC resalta los logros obtenidos por 142 profesionales del arte
provenientes de Azuay. Además, revela que de 3.684 fotógrafos ecuatorianos, 127
de esta provincia destacan por su trabajo gráfico.
También reporta que en Ecuador 1.939 personas se dedican a
la música, 120 de ellas están en Azuay componiendo, interpretando y ejecutando
algún instrumento, que las coloca en la lista que publicó el INEC acerca de las
zonas ecuatorianas con más desarrollo cultural.
En ese mismo contexto, la institución identificó que en
Azuay existen 55 profesores de arte y 31 directores de cine, teatro y afines,
siendo ocupaciones culturales de trascendencia para el desarrollo cultural del
país.
Por otro lado, el INEC en el censo económico de 2010
registró 29 escenarios para actividades de artistas individuales como:
directores, músicos, conferencistas u oradores, escenógrafos, escritores, escultores,
pintores, dibujantes, caricaturistas, entre otros, en Azuay. A escala nacional
cifran 165 establecimientos de ese tipo.
Mientras que en espacios de exhibición cultural como
galerías de arte y locales especializados para ese trabajo, Azuay dispone con
16 establecimientos de esas características, en Ecuador hay 265.
Pintor,
escultor y muralista esmeraldeño nacido en 1929, y cuyo nombre de pila fue
Lalot Rivadeneira Plata.
Su
vocación artística se empezó a manifestar desde su más temprana edad cuando
descubrió que los colores de los juguetes le producían satisfacción y emoción;
luego fueron el teatro y el cine las expresiones que lo envolvieron, y,
finalmente, se acercó al dibujo copiando figuras y fotografías de revistas, las
tiras cómicas de los periódicos y los anuncios del cine.
A los
veinticinco años de edad, convertido en un artista autodidacto, presentó su
primera exposición en Milagro y la segunda en Guayaquil, en la joyería
“Esmeraldas”.
Fue contemporáneo de Enrique Tábara, Luis Molinari y
Estuardo Maldonado, es decir, de esa selección de artistas jóvenes que
iniciaron la renovación de la plástica guayaquileña entre las décadas del 50 y
del 60.
Original
en todos sus conceptos, definió sus inicios como “expresionismo diferente”, al
que siguió luego una tendencia a la geometrización apoyada en círculos y
valorada en colores luminosos; de allí pasó a una estilización post-cubista,
basada en un criterio que lo llevaría a obtener el Primer Premio en el Salón de
julio, de Guayaquil, en 1962.
Estudioso
del arte contemporáneo ecuatoriano, a mediados de la década del 60 se involucró
en lo que él llamó “Signología Funcional”, y diez años más tarde, en
Quito
La mayor parte, por no decir casi toda su vida, la
vivió en Guayaquil, donde desarrolló y “dio rienda suelta” a toda la fuerza
expresiva de su arte inigualable. Su obra presenta una expresión innovadora
apoyada en el dibujo de trazo grueso, iluminado con colores casi primarios en
los que predominan el azul y el rojo. También pintó paisajes y retratos con
particularísimo y personal estilo, e hizo esculturas modulares, de hierro y
hormigón, que sirvieron para adornar y dar perspectiva artística a varios
parques de Guayaquil, que –lamentablemente- hoy han desaparecido.
Fue un
personaje polifacético –de rara valía- en quien se conjugaron todas las
manifestaciones del arte. Fue pintor, escultor, teórico, crítico, editor y un
destacado y conspicuo miembro de la Casa de la Cultura.
Víctima
de un violento cáncer, murió en Cuba, donde había viajado en busca de atención
médica, en 1984.
Oswaldo
Guayasamín
El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena de ascendenciakichway su madre (Dolores Calero) era mestiza. Su padre (José Miguel
Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero.
Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años,
hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas
renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos
cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de
estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas
Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un
levantamiento cívico militar, en contra del gobierno de Arroyo del Río. Durante
una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más
tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la
gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene
el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de
arquitectura.
En1942expone por
primera vez a la edad de 23 años en una sala particular de Quito y provoca un
escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la
exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes.Nelson Rockefeller,
impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el
futuro. Entre1942y1943permanece
seis meses en EEUU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al
maestroOrozco, quien acepta a
Guayasamín como asistente.
También entabla amistad conPablo
Neruday un año después viaja por diversos países de
América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay,
encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde
entonces, aparece siempre en sus obras. En sus pinturas posteriores figurativas
trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud
todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en
laIII
Bienal Hispanoamericana de Arte, que se llevó a
cabo en1955enBarcelona1y más tarde del Gran Premio de laBienal de Sao Paulo.
Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en1971. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo:Venezuela,Francia,México,Cuba,Italia,España,EE.
UU.,Brasil,
Colombia,Unión Soviética,China, entre otros. En1976crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus
colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.
En1978es
nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de
España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.
En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros
pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de
mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a
Hispanoamérica.
Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del
Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Paláis de Glace en Buenos Aires, en1995. Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y
muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga,
Roma,Madrid, Barcelona y
Varsovia.
Realizó unas 48 exposiciones individuales y su producción fue muy
fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene
murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central,
Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano en el
Memorial de América Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus
monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador);
"A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.
Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la
miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que
le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las
guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de
concentración, las dictaduras, las torturas.
Recibió varias condecoraciones oficiales y doctoradasHonoris Causade
universidades de América y Europa. En 1992 recibe el premioEugenio Espejo, máximo galardón cultural que otorga el
gobierno de Ecuador.
A partir de 1995 inició en Quito su obra más importante, el espacio
arquitectónico denominado "La Capilla del Hombre", a la cuál le dedica todo su esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de
1999, en Baltimore (Estados Unidos), aún sin ver finalizado este proyecto.
(Loja, 1913 - Quito, 1998) fue un pintor
ecuatoriano.
Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en
la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como
dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía
decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.
En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al
año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano
Aguilera” de Quito.
En junio del 46 expuso en el Museo de San Francisco. La revista Time, le coloca
entre los grandes pintores de Hispanoamérica, luego fue a Nueva York y expuso
en la Unión Panamericana de Washington. En el l 49 expuso en el Museo de Arte
Colonial, veintiséis oleos con motivos populares y colores frescos, briosos,
alegres. En el 55 expuso en Guayaquil. El 56 en Bogotá y en Caracas. Para el 74
había expuesto en la Maxwell Galleries de San Francisco.
Reconocimientos
En 1953 obtuvo el I premio del quinto salón de Artes Plásticas. El 59 ganó el
Primer premio en el “Mariano Aguilera” con “Yo el prójimo”, visión aterradora
de un mundo en crisis. El 73 le fue concedida la medalla al mérito Artístico de
la Municipalidad de Guayaquil y el 75 la condecoración Nacional al Mérito con
el grado de Comendador.
Tendencia artística
Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales.
El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de
este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus
personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en
casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de
las manos”.
Manuel Rendón Seminario
(n. París, 1894 - m. Portugal, 1982) (también conocido comoManuel Rendón) fue un
maestro pintorlatinoamericanoconocido por traer elConstructivismoaEcuadory
Latinoaméricajunto conJoaquín Torres Garcíaquien trajo el Constructivismo a su país natal deUruguay. El Movimiento Constructivista comenzó en Rusia porVladímir
Tatlinalrededor de 1913.
En esa época debido al auge de la exportación del cacao en el Ecuador,
SOBRE TODO DE KA ZONA DE LA COSTA, SALIENDO DEL PUERTO DE GUAYAQUIL, la gente
millonaria ecuatoriana vivía en Paris, de ahí que Manuel Rendón Seminario, de
las dos más ricas familias del GRAN CACAO nació en Paris pero era ecuatoriano.
Nació en París el 2 de Diciembre de 1.894 en uno de los elegantes bulevares
donde residían sus padres el Dr. Víctor Manuel Rendón Pérez, médico, literato,
músico, compositor y poeta cuya biografía puede verse en este Diccionario (1) y
María Seminario Marticorena, idealizada por su esposo como Elena en la novela
“Lorenzo Cilda”, mujer de obstinada fe religiosa que logró sacar dos monjas de
sus tres hijas. Rendón estudió en la Academia de laGrande ChaumièreenParís, sin embargo, se resistió a los centros de enseñanza de arte formal,
prefiriendo en cambio como destino una labor más solitaria, asidua y tenaz. A
una edad temprana, la obra de Rendón fue regularmente exhibida en las salas de
París. Aunque Rendón nació enParís, es hijo de padres ecuatorianos y es frecuentemente considerado como un
artista ecuatoriano que vivió la mayor parte de su vida enEcuador. El padre de Rendón fungió como embajador en París.
A principios de su carrera, Rendón vivió la vida bohemia del artista
parisino, luchando para ganar dinero. Rendón vendería pequeños trabajos hechos
de cobre para obtener dinero para pintar. En 1937, Rendón exhibió su obra en la
ciudad deGuayaquil,Ecuador, y enQuitoen 1939. Estas exhibiciones tuvieron un enorme impacto en los grandes
maestros que vivieron en estas ciudades en esos tiempos. Las obras fueron
modernas y abstractas por naturaleza. Rendón predicó: "el papel del pintor
es organizar las posibilidades que le son ofrecidas". El trabajo de Manuel
Rendón es vasto y ha influenciado grandemente generaciones de maestros artistas
en toda América Latina y Europa, tales comoAntoni
Tàpies,Antonio
Saura,Enrique
Tábara,Estuardo Maldonado,Carlos Catasse,Félix Arauz,Aníbal Villacís,Viteri yTheo Constanté, por nombrar a algunos.
Oswaldo Viteri
Pintor, escultor y muralista esmeraldeño nacido en 1929, y cuyo nombre de pila fue Lalot Rivadeneira Plata.
Su vocación artística se empezó a manifestar desde su más temprana edad cuando descubrió que los colores de los juguetes le producían satisfacción y emoción; luego fueron el teatro y el cine las expresiones que lo envolvieron, y, finalmente, se acercó al dibujo copiando figuras y fotografías de revistas, las tiras cómicas de los periódicos y los anuncios del cine.
A los veinticinco años de edad, convertido en un artista autodidacto, presentó su primera exposición en Milagro y la segunda en Guayaquil, en la joyería “Esmeraldas”.
Fue contemporáneo de Enrique Tábara, Luis Molinari y Estuardo Maldonado, es decir, de esa selección de artistas jóvenes que iniciaron la renovación de la plástica guayaquileña entre las décadas del 50 y del 60.
Original en todos sus conceptos, definió sus inicios como “expresionismo diferente”, al que siguió luego una tendencia a la geometrización apoyada en círculos y valorada en colores luminosos; de allí pasó a una estilización post-cubista, basada en un criterio que lo llevaría a obtener el Primer Premio en el Salón de julio, de Guayaquil, en 1962.
Estudioso del arte contemporáneo ecuatoriano, a mediados de la década del 60 se involucró en lo que él llamó “Signología Funcional”, y diez años más tarde, en Quito
La mayor parte, por no decir casi toda su vida, la vivió en Guayaquil, donde desarrolló y “dio rienda suelta” a toda la fuerza expresiva de su arte inigualable. Su obra presenta una expresión innovadora apoyada en el dibujo de trazo grueso, iluminado con colores casi primarios en los que predominan el azul y el rojo. También pintó paisajes y retratos con particularísimo y personal estilo, e hizo esculturas modulares, de hierro y hormigón, que sirvieron para adornar y dar perspectiva artística a varios parques de Guayaquil, que –lamentablemente- hoy han desaparecido.
Fue un personaje polifacético –de rara valía- en quien se conjugaron todas las manifestaciones del arte. Fue pintor, escultor, teórico, crítico, editor y un destacado y conspicuo miembro de la Casa de la Cultura.
Víctima de un violento cáncer, murió en Cuba, donde había viajado en busca de atención médica, en 1984.
Oswaldo Guayasamín
El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena de ascendencia kichwa y su madre (Dolores Calero) era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico militar, en contra del gobierno de Arroyo del Río. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.
En 1942 expone por primera vez a la edad de 23 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro. Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en EEUU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.
También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras. En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona1 y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, EE. UU., Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.
En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.
En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.
El 28 de octubre de 1992 recibe el título de Doctor Honoris Causa por parte de la Facultad de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).
Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Paláis de Glace en Buenos Aires, en 1995. Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona y Varsovia.
Realizó unas 48 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.
Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.
Guayasamín fue amigo personal de importantes personajes del mundo, y ha retratado a algunos de ellos, como Fidel Castro y Raúl Castro, François y Danielle Mitterrand, Pablo Neruda, Gabriel García Márquez, Rigoberta Menchú, Mercedes Sosa, el rey Juan Carlos de España, la princesa Carolina de Mónaco, entre otros.
Recibió varias condecoraciones oficiales y doctoradas Honoris Causa de universidades de América y Europa. En 1992 recibe el premio Eugenio Espejo, máximo galardón cultural que otorga el gobierno de Ecuador.
A partir de 1995 inició en Quito su obra más importante, el espacio arquitectónico denominado "La Capilla del Hombre", a la cuál le dedica todo su esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de 1999, en Baltimore (Estados Unidos), aún sin ver finalizado este proyecto.
Ese mismo año se reconoció su labor, de forma póstuma, con: el reconocimiento como "Pintor de Iberoamérica", el Premio Internacional José Martí.
Eduardo Kingman Riofrío
(Loja, 1913 - Quito, 1998) fue un pintor ecuatoriano.
Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.
En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito.
En junio del 46 expuso en el Museo de San Francisco. La revista Time, le coloca entre los grandes pintores de Hispanoamérica, luego fue a Nueva York y expuso en la Unión Panamericana de Washington. En el l 49 expuso en el Museo de Arte Colonial, veintiséis oleos con motivos populares y colores frescos, briosos, alegres. En el 55 expuso en Guayaquil. El 56 en Bogotá y en Caracas. Para el 74 había expuesto en la Maxwell Galleries de San Francisco.
Reconocimientos
En 1953 obtuvo el I premio del quinto salón de Artes Plásticas. El 59 ganó el Primer premio en el “Mariano Aguilera” con “Yo el prójimo”, visión aterradora de un mundo en crisis. El 73 le fue concedida la medalla al mérito Artístico de la Municipalidad de Guayaquil y el 75 la condecoración Nacional al Mérito con el grado de Comendador.
Tendencia artística
Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.
Manuel Rendón Seminario
(n. París, 1894 - m. Portugal, 1982) (también conocido como Manuel Rendón) fue un maestro pintor latinoamericano conocido por traer el Constructivismo a Ecuador y Latinoamérica junto con Joaquín Torres García quien trajo el Constructivismo a su país natal de Uruguay. El Movimiento Constructivista comenzó en Rusia por Vladímir Tatlin alrededor de 1913.
En esa época debido al auge de la exportación del cacao en el Ecuador, SOBRE TODO DE KA ZONA DE LA COSTA, SALIENDO DEL PUERTO DE GUAYAQUIL, la gente millonaria ecuatoriana vivía en Paris, de ahí que Manuel Rendón Seminario, de las dos más ricas familias del GRAN CACAO nació en Paris pero era ecuatoriano.
Nació en París el 2 de Diciembre de 1.894 en uno de los elegantes bulevares donde residían sus padres el Dr. Víctor Manuel Rendón Pérez, médico, literato, músico, compositor y poeta cuya biografía puede verse en este Diccionario (1) y María Seminario Marticorena, idealizada por su esposo como Elena en la novela “Lorenzo Cilda”, mujer de obstinada fe religiosa que logró sacar dos monjas de sus tres hijas. Rendón estudió en la Academia de la Grande Chaumière en París, sin embargo, se resistió a los centros de enseñanza de arte formal, prefiriendo en cambio como destino una labor más solitaria, asidua y tenaz. A una edad temprana, la obra de Rendón fue regularmente exhibida en las salas de París. Aunque Rendón nació en París, es hijo de padres ecuatorianos y es frecuentemente considerado como un artista ecuatoriano que vivió la mayor parte de su vida en Ecuador. El padre de Rendón fungió como embajador en París.
A principios de su carrera, Rendón vivió la vida bohemia del artista parisino, luchando para ganar dinero. Rendón vendería pequeños trabajos hechos de cobre para obtener dinero para pintar. En 1937, Rendón exhibió su obra en la ciudad de Guayaquil, Ecuador, y en Quito en 1939. Estas exhibiciones tuvieron un enorme impacto en los grandes maestros que vivieron en estas ciudades en esos tiempos. Las obras fueron modernas y abstractas por naturaleza. Rendón predicó: "el papel del pintor es organizar las posibilidades que le son ofrecidas". El trabajo de Manuel Rendón es vasto y ha influenciado grandemente generaciones de maestros artistas en toda América Latina y Europa, tales como Antoni Tàpies, Antonio Sau
Artista neofigurativo, ampliamente reconocido por su trabajo de
ensamblajes, aunque su obra abarca también la pintura, el dibujo, los grabados
y los mosaicos.
Durante la década de 1960, se centró en la pintura y estudió
Antropología y Folklore.
En1966, se graduó en
Arquitectura y fue nombrado director del Instituto Ecuatoriano de Folklore.
Comenzó a explorar técnicas de arte experimental incorporando a sus
obras elcollagey colocando objetos superpuestos a sus lienzos. Realizó sus primeros
ensamblajes en1968, comenzando a mostrar sus obras en exposiciones internacionales en la
década de1960, siendo incluido
en las bienales celebradas en1964, enCórdoba(Argentina), y en1969, enSão
Paulo, en las que recibió sendas menciones
honoríficas.
Su trabajó tomó una vertiente más escultórica durante los años 70, como
reflejan sus múltiples series de ensamblajes en los que utiliza muñecas de
trapo y material de desecho.
Muchas de sus obras se encuentran en algunos de los museos y galerías
más prestigiosos del mundo, entre las que podemos destacar lagalería
Uffizi, que cuenta con un autorretrato.
(Bucay17 de mayo de 1936 -Quito, 14 de abril de 1996) fue unpintoryescultorecuatorianonacido en la ciudadBucay. Desde una temprana edad se mostro muy interesado en elarte, de joven estudió pintura en la Universidad Central en Quito. Adoptó un
estilo diferente al principio de su carrera que le acompaño durante toda su
vida. La geografía ecuatoriana y los brillantes colores utilizados por losartesanosindígenasen su labor fueron sus dos influencias principales que penetraron en su
trabajo durante toda su carrera.Endara Crowes
considerado uno de los pintoreslatinoamericanosmás importantes de la segunda mitad del siglo 20. Su obra es universal,
y ofrece una perspectiva estética de la culturaandinay su gente.
Su obra más reconocida es"El Tren Volador”. De niño, Endara Crow quedo
asombrado por los trenes desde que su padre trabajó en el ferrocarril, esto se
convirtió en una inspiración para su obra maestra, en la que muestra a un tren
en vuelo, de ahí el título, que combina con un paisaje montañoso de colores.
Otro motivosurrealistacomún en sus pinturas lluvia, campanas o esferas como en su obraSin títulode fecha29
de julio1988.
Endara fue también escultor, con dos monumentos importantes esculpidos
enSangolquí. Estos dos
monumentos son"El Choclo"y"El Colibrí", ambos representan la belleza natural, así como la importancia de la
agricultura de la Sierra ecuatoriana.
Frente a todos los precursores de la modernización del arte nacional,
una figura se alza como el representante de lo tradicional: Víctor Mideros. Laburguesíave en él al gran pintor que satisface su devoción y su visión
espiritualista del mundo anclada en ciertos símbolos entrereligiososy esotéricos.... era pintor que no dejaba llegar a sus telas los grandesconflictos
socialesdel tiempo.
Mideros se convierte en el pintor mimado de intelectuales tradicionalistas, laIglesiay los públicos medios -siempre, como se sabe, tremendamente
conservadores-. Se pronuncian sobre él discursos -comenzando por Velasco
Ibarra-, se escriben libros ("Víctor Mideros" por José Rumazo,1932), se lanzan exaltados elogios ("Mideros es en este momento el
pintor más poderoso de laAmérica
del Sur", proclamaba por los años treintaElizabeth Delbrück), se lo premia repetidas veces: gana premios en el "Mariano
Aguilera" en1917,1924,1927,1928,1930,1931, 1932.
Entre 1924 y1935... domina el horizonte de laplásticanacional. A partir de ese año comienza rápido ocaso y para loscincuentas, al imponerse las nuevas formas, el artista -que se mostró incapaz de
evolucionar e hizo gala de vivir de espaldas a las violentas transformaciones
delarte contemporáneo- se vio
marginado como artista casi anacrónico y, en todo caso, muy poco representativo
del arte ecuatoriano contemporáneo.
En1918viajó aRoma, como adjunto a la legación ecuatoriana. Era ya un pintor de sólida
técnica -la había aprendido con Luis Toro Moreno y Rafael Troya-, abierto a las
novedades lumínicas delImpresionismo. Pero enEuropasolo parece haberse interesado por el Simbolismo y cierta pintura
mística, y a su regreso eso mostró... En 1924 mereció el primer premio en el
"Mariano Aguilera”, con un cuadro que resume lo que sería la obra del
artista a lo largo de cuarenta y cinco años... técnica brillante en
composición, dibujo y cromática...
Se formó como pintor en la escuela de "Bellas Artes" de Quito
y en las academias Real de Roma, San Fernando de Madrid y Colarroisse de París.
Al regresar deEuropatuvo la intención de radicarse en Ecuador y pintó cuadros precursores
delindigenismo. Desde 1927
hasta su muerte se radicó en Nueva York. Entre 1935 y 1962 ocupó el cargo de
director de la Escuela de Pintura de laNew School for Social Research. Entre sus
alumnos, se encuentra el escultorArnold Henry Bergier.
Enrique Tábara Zerna
(1930, Guayaquil, Ecuador) es un maestro de la pintura ecuatoriana y
representa en su conjunto la cultura hispana pictórica y artística.
Tábara se interesó en la pintura a la edad de tres años y dibujaba
regularmente a la edad de seis años. En estos primeros años, Tabara fue
alentado por su hermana y su madre. Enrique Tábara, sin embargo es un creador
que investiga y desmitifica la imagen en la que se refugia. El espíritu
enérgico e innovador de Tábara es una constante que revela el espíritu inquieto
y versátil del maestro. Un maestro de la experimentación, que es plenamente
consciente de sus raíces y el proceso que ha seguido en los últimos años, con
abundantes obras que mostrar a cambio.
Tábara estuvo muy influenciado por el movimiento constructivista,
fundado alrededor de 1913 por el artista ruso Vladimir Tatlin, hizo su paso en
Europa y América Latina por medio del pintor uruguayo Joaquín Torres García y
el pintor parisino ecuatoriano Manuel Rendón. Torres García y Rendón hicieron
un enorme impacto en los artistas principales de América Latina como Enrique
Tábara, Aníbal Villacís, Félix Aráuz, Theo Constante, Oswaldo Viteri,
Maldonado, Estuardo y Carlos Catasse, entre otros.
Edgar Balseca Toral
Es un artista pintor ecuatoriano. Nació en el mes de junio de 1942 en
Salinas (Ecuador).
Desde temprana edad adquirió interés por el arte. Sus estudios los
realiza en su país natal, Ecuador y en EE. UU.
A lo largo de su vida artística se ha destacado como artista pintor de
óleo sobre lienzo siendo su estilo el realismo y el surrealismo.
Balseca ha realizado innumerables presentaciones y exposiciones de su
arte a nivel Nacional e Internacional. La mayor parte de su carrera artística
se llevó a cabo en Norte América, donde residió muchos años junto con su esposa
y tres hijos.
Laudable ha sido el trabajo de Edgar Balseca como profesor de arte en
diferentes localidades en Quito, Guayaquil y en varias ciudades de los Estados
Unidos, por lo que ha recibido homenajes y publicaciones de reconocimiento.
En los últimos años, la nueva expresión artística de Balseca ha sido la
escultura. Por la belleza del toro de lidia y del arte taurino, que ha sido su
pasión de siempre, es que hoy podemos encontrar obras taurinas magníficas con
su impresionante fuerza y realismo.
